Tokio Monogatari

En la película se aprecia el contraste entre la ciudad y el pueblo, entre lo viejo que representan los padres y lo nuevo representado por los hijos.

Los personajes de Ozu son muy humanos y cada uno tiene una personalidad establecida, la forma en la que Ozu filma casi al borde del suelo y con la cámara fija ayuda a balancear la escena y así Ozu logra mostrar todo lo que quiere que aparezca en la escena y ninguno de los actores predomina.

Cuando los personajes voltean a cámara integran al espectador y parece que estuvieran hablando contigo lo cuál refuerza la humanidad de los personajes.
Este estilo es importante porque ha sido utilizado por otros directores como observamos en Buffalo 66.

La película es muy lenta y larga y pareciera que no pasa nada sin embargo Ozu hace reflexiones sobre la vida con diálogos muy sencillos entre sus personajes. Habla de lo efímero de la vida cuando la abuela dice que probablemente no estará cuando su nieto crezca.
Y de lo decepcionante que la vida se vuelve con los años cuando Noriko se lo cuenta a la hermana menor.

A pesar de que parece cruel en la película los ancianos se muestran como una carga para sus hijos e incluso el viaje a Tokio los hace sentir más viejos.

La película hace una critica a los hijos y a la vida en general ya que aunque no es una película actual en los personajes yace una critica que puede seguir vigente en nuestros días, ahí la importancia del cine de Ozu.

Critica a los nietos quienes al llegar sus abuelos salen corriendo, esto es un gran problema actualmente porque las familias se desintegran cada vez más y es algo que Ozu ya mostraba en su cine hace años.

También critica el egoísmo con una de las hijas que después de la muerte de su madre no espera para reclamar sus pertenencias.
Por otra parte la hija menor aún conserva su inocencia y se niega a convertirse en esa clase de persona pero Noriko reflexiona que el tiempo hace cambiar a las personas  y que incluso ella es egoísta a pesar de ser la que mejor trato a los ancianos en su viaje a Japón sin ser su hija.

Estamos acostumbrados a ver en el cine occidental mucho afecto entre los personajes, sin embargo olvidamos que la cultura oriental es distinta. La película retrata bien la cultura japonesa que es fría y conservadora en general.

Después de la muerte de su madre la tristeza de los personajes es evidente sin embargo el llanto de las mujeres es un llanto contenido y no es dramático.
Es verdad que los japoneses en general son muy fríos, esto lo observo en mi padre quién máximo llama a su familia en Japón dos veces al año.

Finalmente los personajes de Ozu son muy humanos y logran que el espectador se identifique con ellos y con las situaciones que se muestran. El director logra hacer una reflexión de la vida y de la cultura.

Ariel

La película es filmada en el lugar de origen del director Aki Kaurismaki quién retrata la pobreza de Finlandia y la situación de la clase trabajadora con Irmeli quién debe tomar más de un trabajo para poder mantener a su hijo.

También es criticado el sistema del país ya que se muestra a Taisto acusado injustamente y las condiciones de los penitenciarios, aunque posteriormente se liberará de la cárcel.

A lo largo de la película muchos de los escenarios son fábricas viejas y máquinas las cuáles parece que Kaurismaki esta obsesionado por mostrar. 

La forma en la que Kaurismaki construye la película es muy interesante porque a pesar de que omite algunos planos y los diálogos son mínimos es posible entender la secuencia de la película.

Por ejemplo, cuando los compañeros le piden a Taisto que los lleven no se observa a sus compañeros subiendo al auto, de pronto ya los vemos en el auto.

La relación de Taisto e Irmeli también es muy resumida. La invita a comer y hasta que esta en su casa se presentan, sin embargo ésta es una de las escenas más tiernas de la película porque es cuando entendemos que no será una relación de una noche y que seguirán juntos por siempre, su relación es tan importante que lo primero que hará Taisto después de fugarse será casarse con Irmeli.

Los personajes en la película son muy fríos e inexpresivos pero los golpes que les da la vida logran que el espectador los compadezca  y les desee lo mejor.
Después de que el padre de Taisto se suicida, él sólo baja un poco la cabeza pero sigue adelante cómo si nada hubiera pasado.

Mientras Taisto esta en la cárcel el sueña con escapar de Finlandia y encontrar la felicidad en un lugar alejado y con clima caliente como México o Brasil.
Kaurismaki nos pinta Finlandia como un lugar en el que los personajes luchan por sobrevivir al frío y a las condiciones sociales y del cuál quieren escapar.

Por otra parte la película esta llena de ironía como cuando moribundo Mikkonen oprime el botón del descapotable y éste por fin funciona, la escena resulta cómica pero a la vez poética porque de cierta forma Mikkonen antes de morir lográ algo que se creía imposible.

Finalmente la película cierra con la canción “Somewhere over the rainbow” y los personajes abordando Ariel lo cual señala esperanza para los personajes y al mismo tiempo agrega más ironía.

Buffalo '66

Esta película es  el debut de Vincent Gallo quién decide situar la historia en su lugar de origen, un pueblo llamado Buffalo de donde toma el título de la película, también musicalizada y protagnizada por él.

El escenario de Buffalo funciona muy bien con la película ya que Buffalo era una de las ciudades más importantes en Estados Unidos por su industria pero actualmente se encuentra en el olvido y los habitantes viven en pobreza lo cual se conecta con la idea de perdedor con la que se relaciona a Billy .

Al principio de la película Vincent Gallo nos presenta a Billy como un patán egolatra que odia a todos y es hasta que habla por teléfono cuando muestra sentimientos a pesar de que le habla mal a su madre entendemos que se preocupa por ella y por esta razón le miente.

Billy es un personaje sumamente inmaduro lo cual esta presente en la escena en la cual le dice a Layla que si falla nunca le volvera a hablar en su vida pero si lo hace quedar bien será su mejor amiga como si fueran niños.

Otra de sus características es su inseguridad por la cual no quiere bañarse con Layla y tiene miedo de demostrar sus sentimientos por lo cual rechaza las formas de afecto de ella.

Tabién es misogino, esto lo podemos observar en la forma en la que trata a Layla y la opinión que tiene sobre las mujeres cuando ella le pregunta.

El director construye su propio lenguaje presente en toda la película. 

En la película encontramos escenas interesantes como cuando el padre de Billy le canta a Layla,  cuando Layla baila en el boliche y los pequeños cortos de la infancia de Billy que nos ayudan a entender la razón de su amargura y el constante rechazo de sus padres.

La foto que se muestra al principio resulta importante ya que posteriormente vuelve a aparecer cuando  Layla pregunta por las fotos de Billy a sus padres y resulta que solamente tienen foto con la cuál entendemos el desinterés de los padres hacia su hijo y al mismo tiempo se muestra como una comparación con la época en la cuál Billy era feliz e inocente.

El boliche es significativo para Billy porque representa lo único en lo que tiene éxito y para él es todo lo que tiene, por lo cual su casillero de boliche es lo único que estaría dispuesto a heredar.

Sin embargo cuando Laya logra hacer chuzas esto lo enoja porque siente una invasión a lo único que sabe hacer bien.

A lo largo de la película Layla logra que Billy confie en ella  y es cuando se muestra su fragilidad, fragilidad que logra conmover al público en general.
Layla llega como el personaje salvador como la recompensa con la cuál Billy al fin logrará tener un final feliz por lo cuál el pasado de Layla es irrelevante así como su verdadero nombre que sólo es mencionado una vez .

 Esta película es importante por las influencias que Vincent Gallo presenta como los créditos influencia de Godard y el homenaje que hace a Ozu con las placas del automóvil, la forma de filmar y nos hace entender que el cine más actual esta construido de pequeñas influencias de otros grandes cineastas a pesar de que a veces pensamos que estan completamente separados.

Esta película me gusto mucho en general porque es la primera película con un final feliz que vemos en todo el curso y me parecío gracioso como incluso algunos compañeros aplaudieron al final.

Es la clásica historia de amor que muestra al chico que oculta su sensibilidad con rudeza pero la forma en la que se desarrolla la historia me gusto mucho.

Umberto D

La película no sólo hace una critica al gobierno y la situación tan difícil que presentan los jubilados a quienes su pensión no les alcanza y son olvidados por la sociedad si no también muestra cómo el rechazo, la soledad y el olvido afectan a los personajes de la historia.

Umberto es un personaje sumamente orgulloso y es su orgullo lo que lo lleva casi al suicidio, esto también se muestra cuando desesperadamente intenta pedir dinero en la calle pero no soporta la humillación.

Por otra parte María es una joven que sufre el rechazo de los posibles padres de su hijo y que posteriormente será despedida cuando su jefa descubra que esta embarazada.

Umberto al igual que Maria son personajes que sufren de la soledad y del rechazo de la sociedad, Umberto por una parte representa la vejez, el deseo de morir y María la juventud y la nueva vida y es eso lo que los une.

A pesar de que el papel de Umberto D no es protagonizado por un profesional (característica del neorrealismo italiano) Carlo Battisti logra que su personaje de Umberto cobre vida por completo con una actuación muy natural.

Para el director Vittorio De Sica lo más importante es que la actuación sea natural por lo cual la mayor parte de las escenas en las que aparece María , se muestra realizando tareas comunes como matar hormigas o prepararando un té los cuáles son recorridos planeados por el director para que los actores no se preocupen por la actuación y diálogos y así se consiga un resultado más natural.

A lo largo de la película el personaje de Flike es muy importante ya que en primer lugar Flike es lo único que le queda a Umberto por lo cual una de las escenas más conmovedoras es en la que lo rescata de la perrera.

Es irónico como Umberto muestra su lado más humano con un perro, que es por lo único que duda suicidarse porque depende totalmente de él y cuando Umberto intenta suicidarse es Flike quien lo impide.

Flike es primordial en la historia porque es lo que impulsa a Umberto a seguir y evita que se caiga y que su depresión lo absorba.

Finalmente la película termina con Umberto y Flike jugando, el Umberto que se muestra al final parece feliz con la vida y dispuesto a seguir adelante y parece que el destino de los personajes es positivo.

En mi opinión la película aborda los temas de la soledad y el rechazo de manera simple pero cruda y causa una gran emoción en el espectador, ya sea tristeza, angustia o desesperación como en mi caso ya que me pareció impresionante que el orgullo de Umberto lo llevara casi a la muerte.

El tercer hombre

La película se filmo en Viena de la posguerra, la ciudad se encontraba totalmente destrozada lo cual cambia el escenario de la película.

El plano holandés cambia la estética de la película y las escenas de la persecución se vuelven más interesantes por la forma en la que las sombras y la luz se muestran, al mismo tiempo es un simbolismo del dilema que sufrirá Holly quién se encuentra entre la espada y la pared o más bien entre la ley y la amistad.

El uso de los extras en algunas escenas logra que la película juegue mucho con la iluminación, ya que en algunas partes de la película sólo se muestran las sombras de los personajes o los rostros no se iluminan y sólo se muestran los cuerpos.El tercer hombre se puede considerar un antecedente del cine actual por la forma en la que la historia es narrada.

En la película la búsqueda del misterio de la muerte de su amigo Harry Limes, lleva a Holly Martins a encontrarse con Anna, la novia de Harry, quién comienza a confesarle las sospechas de su muerte, en esta escena Anna se encuentra retirándose el maquillaje y peluca que llevaba puestos como si se quitara una máscara, símbolo de sinceridad.

Se hace una critica a la situación de Viena y al gobierno cuando Holly descubre que los testimonios no concuerdan y de nuevo acude al portero el cual le aconseja que mejor se aleje por miedo a personas con más poder que la policía.

En esta historia nos encontramos con dos personajes antagónicos, Holly Martins quien se preocupa por las personas y busca lo correcto y Harry Lime quien no busca el bienestar de las personas, él mismo se refiere a las personas como simples e insignificantes.

Aunque constantemente se menciona al personaje de Harry Lime, su aparición en la película es breve, sin embargo la actuación de Orson Welles le agrega mucha personalidad al personaje y lo vuelve igual de importante que Holly.

La película habla de la ética y cuando Holly Martins se entera de que la muerte de Harry sólo fue una farsa pone en duda su moral ya que por una parte Harry Lime es un criminal que merece justicia pero también es su amigo de la infancia.

Finalmente la película termina con una persecución en las alcantarillas donde después de que Holly se da cuenta de las consecuencias de los crímenes de Harry termina traicionando su amistad y matándolo.

A pesar de que Holly Martins se muestra como el héroe de la historia no consigue lo que quería y termina sólo después del rechazo de Anna que no acepta su ayuda porque sigue enamorada de Harry.

Las noches de Cabiria.

Perteneciente al neorrealismo italiano la película muestra la realidad de la sociedad Italiana , la pobreza extrema que las personas que viven en cuevas sufren, el fanatismo religioso y el contraste entre la posición económica.

El personaje de Cabiria enamora a los espectadores , ya que a pesar de ser una prostituta muestra su lado más humano y la fragilidad de sus sueños y aspiraciones.
La actuación de Giulietta Massina es sublime porque interpreta a un personaje que por una parte es muy orgulloso, expresivo y gracioso, que lleva su orgullo a tal grado en el cual al final contiene su llamto y presume de su casa hasta el infinito.

A tráves del ocultar Fellini logra crear un personaje que pertene a la vida nocturna con un alma pura.

Los escenarios que contienen hechos fantásticos como el show de hipnotismo serían la base del estilo propio que el director desarrlollaría.

Fellini nos recuerda que la vida esta repleta de tragedias que pueden o no suceder varias veces pero con la escena final nos explica que la vida sigue y que siempre existe la posibilidad de ser feliz.

Ese oscuro objeto del deseo

En la película se podría pensar que el personaje principal Mathieu es exitoso porque se encuentra en una buena posición económica pero entonces conoce a Conchita una joven que pone en claro que no desea su dinero, ni ser comprada como un mueble.

De esta forma el director plantea la idea de que los deseos rigen a todos los seres humanos y símbolos de poder como el dinero no son sinónimo de satisfacción ya que todas las personas deseamos algo.
Mathieu intenta solucionar la frustración que le provoca Conchita mandándola lejos, sin embargo en lugar de viajar a Singapur naturalmente termina en Sevilla, de esta forma el director muestra la realidad humana, las personas tratamos de alejar aquello que no podemos alcanzar pero terminamos persiguiéndolo de nuevo, los deseos son más fuertes que nosotros mismos.

Luego Mathieu le obsequia una casa a Conchita sin darse cuenta de que en lugar de acercarse a su objetivo lo único que logro fue poner una barrera (representada por la reja de la casa) alejándose más.
Cuando Conchita recibe el cubetazo de agua después de que Mathieu la golpeara por burlarse de él se cree que la historia terminará y que de c pero entonces él recibe otro cubetazo hasta que llegan a estar juntos de nuevo antes de que un atentado terrorista termine con sus vidas. 

Y es así como la persecución de Mathieu y Conchita se convirte en un juego que representa que los deseos nunca se detienen, las personas todo el tiempo estamos en busca de otras cosas pero al final al igual que con la bomba todos moriremos en algún punto y él esfuerzo por satisfacer nuestros deseos no importara.

Finalmente Buñuel logra retratar la realidad humana , de como todas las personas deseamos algo y como estos deseos rigen nuestra vida en este caso el deseo es representado por Conchita con la cuál Mathieu se obsesiona conviertiendola en un objeto que representa la satisfacción y a autorrealización.